【Art Central/专访】在2026年的今天，当AI演算全面渗透生活、打工仔没日没夜过劳工作，我们走进艺术展会，究竟想看到甚么？今届首度参与Art Central的独立策展人容颖怡（Zoie）交出了一份极具实验性的答卷。她以这个时代的“无力感”与“极端劳动”作为切入，将VR、AI、甚至流行文化中的MV影像搬入展场。

寻常观众在Art Central，第一眼往往落在那些容易入屋、便于收藏的架上绘画或雕塑。然而，当你走到由Zoie操刀的策展区域时，气氛却截然不同，这里有探讨AI机器学习的录像、反映情绪病患视角的VR体验、探讨极端劳动的行为艺术，以及拆解MV视觉语言的放映会。

那么，在这个时代，为甚么要做这样的一种实验性策展？面对2026年的香港观众，艺术又该以何种姿态介入生活？这次我们与Zoie坐下深谈，从她这次涵盖委约创作、放映、讲座与行为表演四大范畴中，寻找她的解答。

香港观众已步入“后M+时代”

“这几年最大的变化，我称之为‘Before and After M+’（M+博物馆开馆前后）。”Zoie表示，这也对她的策展产生影响。

回想数年前，普罗大众对于当代艺术的认知往往停留在价格标签上。“以前做展览，观众最常问或者留言的，往往是‘这件东西很贵’、‘看不懂，为甚么值这个钱’。”但随著M+等大型视觉文化博物馆的普及，香港观众的艺术胃口与词汇库都经历了一场升级。

Zoie分享了一个有趣的观察：“我之前为了写论文，在社交平台（如Threads）看大家对M+开馆展览的照片和看法。结果不仅收集到大量照片，还引来了极多长篇大论的深度留言，甚至吸引了身在台湾的香港学者写下长篇的视觉文化评论。你会发现，现在的香港观众极度喜欢讨论‘甚么是艺术’，他们极度渴望参与其中。”

这让观众不再单一地以价格衡量艺术，而是学会了跨学科、跨文化的解读方式。当观众准备好包容更具实验性的作品时，策展人便有了更大的空间去推动前卫的议题。“既然大家已经习惯了这种视觉文化，我就很有信心在Art Central这样的大型展会中，放入一些平常在美术馆才会看到的作品。我希望建立大家的‘文化议价能力’，让他们知道，艺术不仅仅是挂在墙上的画，它还可以是反映我们当下生活状态的任何媒介。”

为“躺平”的年轻世代平反

整个项目的起点，来自今年的委约艺术家Kaitlyn Hau（侯嘉琪）。在香港，要发掘全新的新媒体艺术家并不容易，上一波为人熟知的新媒体艺术家如唐纳天（Nadim Abbas）、黄炳等人，大多是在2008至2010年间崭露头角，转眼已过去差不多二十年。

时隔多年，Kaitlyn的出现让Zoie眼前一亮。“她是一个‘One Man Band’，自学VR和动态捕捉技术。而且她本身是一位情绪病患者。她没有用高科技去包装华丽的视觉，而是非常切实地利用VR影像去呈现一个情绪病患者第一眼看到的世界。”

Kaitlyn这种缺乏庞大技术团队支援、单打独斗的创作状态，其实是当下年轻创作者的普遍困境。“现在的年轻人基本上都是‘Slasher’（斜杠族），不仅是因为他们能力多元，更是因为机会比以前少，他们必须身兼多职。”Zoie指出。

这种状态直接催生了“行为表演”环节的诞生，Zoie将主题命名为“长夜与极昼”，探讨艺术界中常被忽视的“不稳定劳动”（Precarious Labor）。“大家以为艺术家的工作就是光鲜亮丽地出现在画廊开幕礼上，但其实背后是无日无夜、极度漫长的工作方式。即使你在睡觉，你的大脑还在运作，这是一种劳动力极度被剥削的状态。”Zoie希望透过表演，为这群常被误解为“躺平”或“懒散”的年轻世代平反，展现他们在资源匮乏下依然坚持创作的韧性。

带领观众战胜演算法

而在“放映”环节，Zoie就将视角转向了人工智能（AI），也是近年最受争议的议题之一。“因为Kaitlyn的作品涉及AI机器学习，所以我一开始就决定放映环节要与AI有关。”

Zoie挑选了艺术家江一帆的手绘动画作品。这部作品探讨了AI如何尝试去理解人类的世界与情感。“当我们谈论AI时，往往觉得它很强大，但江一帆的作品却点出了AI的‘理解不能’。那种无法真正触及人类情感的‘Hopelessness’（无力感），配合极度浪漫的手绘动画形式，产生了一种强烈的张力。”

在2026年，当演算法已经可以精准预测我们的喜好、甚至生成以假乱真的影像时，人类的情感似乎正被逐渐抹平。Zoie形容这就像是“房间里的大泡泡”，我们被困在资讯的回音壁（Echo Chamber）中。“但艺术可以是一种Manifest（显化）。你可以透过观看、透过理解，去训练演算法，甚至战胜演算法。”

从MV到“慢艺术”

除了AI，这次放映与讲座环节的另一个重头戏，是探讨“MV”作为一种当代艺术媒介的价值。在抖音、Reels等短视频主导眼球的今天，Zoie试图带领观众回到从前。

“大家可能忘记了，抖音一开始其实是一个对嘴夹口型的音乐平台，它的本质就是一个无限循环。而我们现在在网上看到的很多视觉语言，其实早在几十年前的MV拍摄手法中就已经出现了。”Zoie解释道，MV与新媒体艺术其实是双生儿。当年专业摄影器材开始转为民用时，创作者必须在极低的成本和有限的三分钟内，发挥无限的想像力，从而诞生了MV极具冲击力的视觉语言。

为此，她特别邀请了定义了香港某个年代流行美学的著名导演区雪儿参与。“Susie当年用16mm菲林为王菲拍摄MV，因为菲林上链一次只能拍45秒，所以王菲只能分段对嘴，这种基于媒介限制而产生的硬剪接，反而成为了一种极具前卫感的新媒体思考方式。”此外，展览亦涵盖了国际知名艺术家Jon Rafman以MV媒介创作的最新作品，以及本地艺术团队Half Talk，展现MV如何作为一种具前瞻性的当代艺术形式，去想像未来。

在一个习惯了三秒钟滑走一条影片的时代，要求观众在艺博会中停下脚步看录像，无疑是一大挑战。但Zoie对此抱有另一种看法：“我们没有可能跟真正的短视频竞争，所以我们的态度是‘Invite, Not Demand’（邀请而非强求）。这是一种‘慢艺术’的实践。我不是要强行向观众灌输甚么大道理，我只是提供一个空间，邀请你坐下来，花一点时间去凝视。因为有些作品，你在手机萤幕上看，跟你在现场线下感受那个光影与空间，是截然不同的两回事。”

选择“慢艺术”是一种姿态

访问来到尾声，笔者不禁问道：在Art Central这样一商业艺博会中，展出这些难以被私人藏家买回家挂在墙上的录像、VR和装置艺术，最终的意义是甚么？Zoie的回答非常现实：“正因为这些作品很难在一般的商业画廊中售出，所以我们更需要透过这种委约和策展，让它们在大型商业情境中曝光，这是一种我们要表明的姿态。”

她强调，艺术市场与学术机构从来都不应是对立的。“我们希望透过这些展出，让大型美术馆和机构看到这班年轻艺术家。机构的收藏对于新媒体艺术家来说至关重要，因为这往往是他们赖以生存并继续创作的唯一途径。在艺博会中，卖得最好的往往是卖给了美术馆。”

在2026年的香港，当我们走进Art Central，或许我们不需要急著问“这件作品值多少钱”，只要你愿意停下脚步，就依然有与艺术产生共鸣的空间。