赵无极的名字在艺术拍卖市场上，常与高价油画连在一起。他那些色彩丰富、气势宏大的抽象作品，确立了他作为二十世纪重要法籍华裔艺术家的地位。不过，现正在香港M+博物馆举行的“赵无极：版艺匠心”展览，就展示了他较少为人知的另一面。

这是亚洲首个以赵无极版画为主题的大型回顾展，展出近180件来自M+馆藏及世界各地的作品，时间跨度从1949年至2000年，完整呈现了他超过半个世纪的版画创作。展览展示了他如何从具象走向抽象，如何在东西方文化之间寻找定位，以及他如何透过版画创作，在西方现代主义中重新连结东方传统。

“不想创作中国风作品”

要理解赵无极的版画，需要先了解他的背景。1920年，他出生于一个富裕的书香家庭，祖父的书法收藏是他最早接触艺术的途径。进入杭州艺专后，在林风眠等老师的教导下，他大量学习西方艺术，从塞尚到马蒂斯，希望摆脱他当时认为过时的国画传统。

1948年，他带著成为“画家”的志向前往巴黎。但在当时的巴黎艺术圈，来自东方的艺术家容易被贴上“异国情调”的标签。赵无极基金会的艺术总监扬・亨德根（Yann Hendgen）指出：“他不想在巴黎被视为中国画家，也不想创作中国风的作品。”他想成为像苏拉吉（Pierre Soulages）那样的国际艺术家。

这种想法驱使他在创作初期避开水墨等传统中国媒材。然而，版画这项源自西方的技术，反而成为他探索内心世界、并最终与自身文化根源连结的途径。

版画作为创作实验

对于长期在画室创作大型油画的赵无极来说，版画工作室提供了不同的体验。他曾形容版画创作“几乎像是游戏”，比油画更有趣，成果也更难预测。在蚀刻、石版印刷的过程中，金属板与酸液的反应、油与水的排斥，都带来许多意想不到的效果。

更重要的是，版画工作室是个社交场所。他在那里结识了诗人亨利・米修（Henri Michaux）、画家汉斯・哈同（Hans Hartung）等朋友，版画成为他与巴黎文化圈交流的媒介。

展览中有一个值得一提的故事发生在1950年。赵无极创作了一组八幅石版画，他的出版商朋友拿给米修看。米修看后深受触动，在一夜之间为这八幅画配上了八首诗。这本名为《亨利·米修对赵无极八幅石版画的赏析》的书，不仅是赵无极艺术生涯的重要时刻，也标志著他被巴黎主流文艺圈接纳。

版画演变三部曲

M+的策展团队将赵无极的版画历程分为三个阶段：“初遇版画”、“走向抽象”与“从心所欲”，清楚展示了他如何发展出自己的艺术语言。

第一阶段：初遇版画（1949-1956）

刚到巴黎的赵无极，快速掌握了石版画与蚀刻版画的技巧。他早期的作品，如《有新月的风景》（1949），仍有具象的元素，描绘他游历欧洲所见的景物。

真正的转变来自他在瑞士看到保罗・克利（Paul Klee）的作品后，意识到绘画不必只是再现现实，还可以透过“符号”创造新的视觉世界。于是，他回头检视自己的文化根源。他从商周的甲骨文、青铜器铭文中取材，将这些古老的汉字拆解、重组，变成画面上的抽象符号。在《双城之间》（1955）等作品中，这些符号不是用来阅读的文字，而是纯粹的视觉元素。

第二阶段：走向抽象（1950年代末-1960年代）

这一时期的版画完全抛开了符号。线条变得密集、交织，色块大胆而有冲击力。他运用针刻、糖水剥离法及飞尘蚀刻等技法，创造出丰富的层次与质感。

这部分展品的色调开始变得深沉浓烈，画面如同风暴与火焰在翻腾。这些版画不是油画的附属品，他在版画中对空间和质感的尝试，直接影响了他狂草时期油画创作。

第三阶段：从心所欲（1970年代至今）

1970年代初，因第二任妻子陈美琴（May）病重，赵无极心力交瘁，一度无法进行油画创作。在朋友的劝说下，他重拾了阔别已久的中国水墨。

这次回归意义重大，水墨画中对“虚实”、“留白”的运用，改变了他对空间的理解。他晚期的版画作品，如《无题》（1977）系列，画面中央的笔触与色彩逐渐向四周扩散，融入空灵的背景中。这不再是西方绘画的满构图，而是带有东方哲学中“有无相生”的意味。构图更丰富，用色也更明亮通透。此时的赵无极，不再刻意回避“中国画家”的身份，而是将西方的色彩光影与东方的笔墨精神融合在一起。

展览展出了大量赵无极为法国诗人创作插图的珍本书籍，展示了图文之间的互动关系。策展团队也特别设置了“版画是什么？”的教育区域，展示铜版、石版等创作工具，让观众直观了解不同技法的特点。

展览期间亦设有策展人及藏品修复员导赏，仔细讲述赵无极的创作实践，以及身为著名跨文化 人物鲜为人知的轶事点滴，让公众对展览有更深入的见解。

【展览详情】
名称： 赵无极：版艺匠心
地点： 香港 M+博物馆 地下大堂展厅
日期： 即日至 2026年5月3日
票价： 成人港币$190 / 特惠港币$100